mr. brooks (2007)

by zEke

mr. brooks posterstrange case of dr. jekyll and mr. hyde (1886) is one of the best known novellas by Robert Louis Stevenson. Still today the reflection about the idea of duality of the Scottish author is acknowledged every single time good and evil meet in the same tormented human being. The whys are countless but the essence is always the same, as it is the outcome. Serial killers in both contemporaneous novellas and movies drink out of that essence. In that sense, mr. brooks does not incorporate much to a subject that has been many times visited by filmmakers, I still remember the excellent psycho (1960). But mr. brooks does have something that makes it different from many other recent movies about serial killers. It has, and I am serious, Kevin Costner, and it has also something else, the addiction factor.

Even though we are not supposed to ever like serial killers, movies like kalifornia (1993) or american psycho (2000), and TV-series like dexter (2006) seem to indicate otherwise. Filmmakers are able to seduce the viewers with the background of the character turning their monstrosities into the consequences of causes we are able to understand when explained in a proper manner. Even though their acts are never justified they are presented to us as victims of the imperfections of the human race.

Earl Brooks (Kevin Costner) is a model businessman, a model husband, a model father, and up till here a model human being. But he hides a model serial killer addicted to kill. He is cold, meticulous, and thoughtful, up to the point that he leaves no loose ends. Nevertheless, one day he makes an unexpected mistake. Mistake Mr. Smith (Dane Cook) will try to take advantage of. Meanwhile Detective Tracey Atwood (Demi Moore) is trying to chase a prey that might as well be the predator.

Bruce A. Evans directed young Milla Jovovich and Christian Slater in kuffs (1992) and did not sit behind the camera until now. And let me say that there is a whole range of grays between then and the way mr. brooks is directed. He is also responsible for the script together with his long time collaborator Raynold Gideon. Despite of the many subplots the movie is made of, some of them annoying I must say, he manages to makes them all play a more or less important part in the outcome of the events. The truth is everything spins around Mr. Brooks and while he is on screen it works great, mainly because of Costner’s most serious performance since dances with wolves (1990). To a point that the viewer wants him on screen as much as possible and becomes uninterested in Detective Atwood’s private life and parallel case. Which is really surprising is that Evans succeeded on somehow fitting everything in the end without many ringlets. The tone of his direction is as sober as the rest of the movie and delivers a product without filigrees only undermined by some out of place action scenes.

As I said before Costner is as powerful as he can be, and that is certainly more than I would have expected. John Hurt, who plays Mr. Brooks’ dark side, is a good compliment to Costner. Surprising is Cook’s performance, since being a comedian himself one would not expect him in a jam like this one. I will not say much about Moore since she just happens to be around.

All in all, a better movie than one might expect. A movie that succeeds at portraying Brook’s profile and drawing an interesting metaphor about addiction. In the end, his addiction to kill could have perfectly been yours to cigars. Bad thing is, many people will get distracted by the many subplots and will let those annoy them.

For the deadhours of those who like playing different roles in their lives depending on who they are facing.

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eastern promises (2007)

by zEke

eastern promises poster We have seen movies about the Italian mafia, the Japanese mafia, the Irish mafia, even the alien mafia. It is time now for the Russian mafia to hit the screen. First thing to notice, the movie is set in London. Second thing to notice, there are not two predefined sides. Third thing to notice, characters evolve. Three things that brought me to eastern promises and by themselves make it worth. But there is more in the last movie from acclaimed, as they say in the promotional poster, director David Cronenberg.

The story starts with both a murder in a barber shop and the death of a young Russian slave prostitute right after she gave birth to a girl. Anna Ivanova (Naomi Watts), a half-Russian midwife, finds her diary in her purse and keeps it hoping it would help her find relatives. The diary, though, leads her to the London Russian mafia and Nikolai (Vigo Mortensen) a simple driver who is gaining fast his way up.

The whole atmosphere of the movie is as dry as a dry vodka martini. Even though it is explicitly violent, something that it does not hide right from the beginning, it is the violence we do not see the one that hurts. Cronenberg manages to accurately portray an underworld of violence not only through what he shows with his camera, but through what he suggests. But this in not a movie about violence the way a history of violence (2003) was. This is a movie, overall, about lying. The distance Cronenberg kept with the violence of his last movie, violence he never judged, he keeps now with Mortensen’s motivations. On top of that, there is also a silent love story for those friends with ephemeral connections.

Mortensen and Watts are both convincing as a cold gangster and tough nurse. But it is Vincent Cassel, who plays the leader’s son, who caught my eye. He succeeds with subtlety as a man both tormented by his sexuality and who lacks, and is aware, the charisma, sobriety, and patience of his father. Armin Mueller-Stahl, who plays his father, looks too much like previous mafia leaders, but then again, after Don Vito Corleone, no matter the where the mafia is from, who has reinvented such a character? On another note, the Russian accent they all proudly fake, might, despite of the overall faithfulness, get in your nerves.

The Russian environment the movie draws lacks instrumentality but it is close to what it is. The meaning of Mortensen’s tattoos, the paradox between the treatment that both teen and old women receive by Russians, the importance of jerarchy, are all ingredients of a juicy cake. To remember, the fight in the sauna, and not precisely because of Mortensen’s best kept secrets, best kept at least until now.

A movie to lay down an enjoy with, for example, a good bottle of wine. You, that are still reading this review, will like it.

For the deadhours of those who took Russian in college.

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it’s a wonderful life (1946)

by zEke

it’s a wonderful life posterSiguiendo el consejo de mis amigos de La Off-Off Crítica decidí enfrentarme de nuevo a una de las películas más repetidas en la Navidad de los diferentes canales de televisón estadounidenses. Más repetida porque por el camino se perdieron los derechos de autor de la película y pasó a ser de dominio público. A pesar de que hoy por hoy eso parece resuelto no necesité desplazarme al videoclub para disfrutar de este peculiar cuento de Navidad. Cuento de Navidad del que ya había gozado, pero ha llovido tanto desde entonces, que apenas recordaba, tanto haberla visto como haber gozado de ella.

La película es eso, un cuento de Navidad, aunque sólo es Navidad durante su última media hora. Hasta entonces nos cuenta los ires y venires de George Bailey (James Steward), un joven soñador que se imagina lejos de Bedford Fall desde pequeño. Bedford Fall, que por uve o por be, además de por su buen corazón, nunca será capaz de abandonar. Hasta que un buen día, un desafortunado contratiempo convierte la vida de Bailey en un callejón sin salida que lo lleva a plantearse a renunciar a lo único de lo que depende el resto. Clarence (Henry Travers), un ángel de segunda, es el encargado de intentar encauzar la vida de Bailey a cambio de sus anheladas alas.

La película, que pasó inicialmente tan inadvertida como la historia original de Philip Van Doren Stern (fue una postal de Navidad antes que un guión cinematográfico y un cuento impreso), ha ido ganando adeptos con el paso del tiempo. Y lo cierto es que a un servidor no le estraña, pues son muchos los George Bailey que conoce. Cierto es que con el paso de los años el mundo es cada vez más pequeño y las oportunidades mayores. Cierto es que el precio de los sueños es cada vez más asequible si uno se aplica. Pero cuántos dejan de perseguirlos porque la vida los pone constantemente en la tesitura de tener que decidir. La inercia nos arrastra muchas veces hacia una vida que no es necesariamente la que habíamos soñado. Esto no es ni bueno ni malo, sino todo lo contrario. Esto es precisamente lo que esconde la vida de George Bailey, a quien su buen corazón, otros tendrán otros motivos, lo lleva a anteponer siempre las necesidades de los demás a las suyas propias, lo que le acaba haciendo renunciar a sus sueños.

El tratamiento que Frank Capra le da a la historia de Stern es en líneas generales, y sin querer engañar a nadie, cursi. Pero que nadie se asuste, pues esto es un cuento de Navidad, y hasta cierto punto este calificativo es esperable. Capra lo sabe e intenta distraerse todo lo que puede. Así, a pesar de que los primeros noventa minutos nos sonríen complacientemente, la última media hora de película, en la que Bailey se enfrenta a una realidad sin su persona y su impacto, brilla por su oscuridad a pesar de contar con un aspirante a ángel en pantalla.

Steward ayuda y mucho, bien haciéndonos reír, bien haciéndonos llorar. Ayuda tanto y es tan protagonista que el resto pasa desapercibido, incluído Donna Reed de from here to eternity (1953).

Una película que no es tan buena como pretenden hacernos creer pero sí nos deja a todos con un excelente sabor de boca, pues al final del día, el que no se consuela es porque no quiere.

Para las deadhours de los que están cansados de hacer siempre lo mismo.

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save the green planet! (2003)

by zEke

save the green planet! posterAndaba yo buscando una comedia para una noche en lo que la película fuera lo de menos. Y claro, en lugar de dejarme seducir por la mediocre reputación de la mayoría de propuestas hollywoodienses me dirigí hacia la estantería de películas extranjeras. Quien me lee sabe que el cine procedente de Korea del Sur siempre me ha atraído. Pues bien, si a eso sumamos una carátula como la que ustedes tienen arriba a la izquierda, el éxito parece asegurado. Además, Shyn Ha-kyun me había gustado en sympathy for mr. vengance (2002). Nada más lejos de la realidad. La película acabó convirtiéndose en la protagonista indiscutible de la velada, y no precisamente por su vertiente cómica.

En principio, la película cuenta la historia de Lee Byeong-gu (Ha-kyun), un tipo que vive empecinado con la idea de que los extraterrestres están por la labor de conquistar la tierra y suya es la misión de salvarla. Y no sólo eso, Byeong-gu está convencido de que Kang Man-shik (Yun Shik-baek) es el líder de dicho movimiento extraterrestre en nuestro planeta. Tras convencer a su novia de su esperpéntica teoría ambos se enfrascan en una surreal aventura cuyo punto de partida no es otro que el secuestro de Man-shik.

Con ese argumento poco podía imaginarme lo que tenía entre manos. save the green planet! es una película seria, surreal pero seria, estúpida incluso, pero seria. Tanto que no tarda uno en dejar de reírse de las excentricidades del protagonista principal. Momentos cómicos, haberlos haylos, pero la demencia de Byeong-gu pronto se convierte en algo incómodo de presenciar, en la línea de películas como one flew over the cuckoo’s nest (1975). Pero es que no sólo la genialidad de Milos Forman tiene cabida en los casi ciento veinte minutos que dura la amenaza alienígena. Los más avispados encontrarán también ingredientes de, por ejemplo, brasil (1985) y the usual suspects (1995).

La estética es muy similar a la de la trilogía de la venganza de Park Chan-wook, esto es, estética cyberpunk (se divisa por ahí una clara influencia de cineastas japoneses), bombardeo abrupto de imágenes, escenas subliminales y otros bichos. En fin, todo aquello que hace las delicias de un género que tiene sus adeptos y que en ocasiones se deja también querer por el resto. Jan Joon-hwan, que no ha hecho nada desde entonces, ni tampoco antes, fue capaz de vestir una historia absurda de sábado por la noche. Flor de un día quizás, pero efectiva. Además de lo estético, la historia, como casi todas las películas surcoreanas contemporaneas, esconde una amarga reflexión sobre la familia y las jerarquías sociales. Aquí, disimulada por la estética, pero todavía evidente.

Para las deadhours de los que saben que, por mucho que lo intenten, no pueden disimular su presencia entre nosotros.

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juno (2007)

by zEke

juno posterSi uno quiere enfrentarse a situaciones reales se queda en casa. Vamos al cine a que nos cuenten historias. Películas las hay de todos los colores, posibles, imposibles, las hay incluso basadas en hechos reales. Hechos reales que lo son, pero son también excepcionales. Si no lo fueran, a nadie le interesaría una película basada en ellos. Incluso las radiografías sociales borrachas de realidad se centran en gente que no tengo el placer de conocer. Así, cuando uno va a ver una comedia adulta sobre adolescentes no espera que estos se comporten como los adolescentes que revolotean a nuestro alrededor, sino como excepciones al servicio de la industria cinematográfica de mayor o menor medida. En ocasiones, y ésta es una de ellas, la falta de rigurosidad a la hora de perfilar, caricaturizar mejor dicho, los personajes, aunque excepcional al cuadrado sólo hay uno, se exculpa con una historia simple y ciertamente entretenida. Todo esto para decir que juno es una pequeña gran película, o una gran pequeña película, o ambas, sobre un personaje excepcional.

Del argumento poco hay que decir. La adolescente Juno MacGuff (Ellen Page) se queda embarazada de su no novio, también adolescente, Palie Bleeker (Michael Cera). Tras considerar un aborto, Juno decide buscarle unos padres ejemplares a su futuro bebé en las páginas de clasificados. Los afortunados son Mark y Vanessa Loring (Jason Bateman y Jennifer Garner), él un adolescente en el cuerpo de un adulto que vive anclado en un pasado lleno de gore y punk, ella una madraza en potencia.

Jason Reitman, quien ya me dejó un buen sabor de boca con thank you for smoking (2005), el que fuera su primer largometraje, repite. Repite tanto en la dirección como en lo del sabor de boca. Chocolate entonces, fresa ahora. Con una película mucho menos pretenciosa, y con esto no quiero decir que la primera lo fuera, es capaz de hacernos sonreír y seducirnos con los ires y venires de una adolescente que resulta ser uno de los personajes más saboríos que recuerdo, saborío pero encantador, rico, rico. Si algo se le puede echar en cara es la utilización de algunos recursos que no casan con la línea general de la cinta. Y no casan porque los utiliza puntualmente para luego olvidarse de ellos.

A pesar de todo, Rietman está a la altura de un guión muy por encima de lo que he digerido últimamente. Muy por encima porque a Diablo Cody, su autora, le basta con construir un único personaje excepcional para que todos los que lo rodean y cuanto sucede a su alrededor fluyan de sonrisa en sonrisa de forma natural. El guión está hecho para enamorar y lo consigue si uno se deja. Además, las canciones de Kimya Dawson (artista que yo desconocía pero mis amigos melómanos Jose y Rubén probablemente no), folk en estado puro, parecen compuestas para la ocasión. Eso sí, me atrevo a decir que más de uno las encontrará insufribles.

Mención aparte merece Ellen Page, probablemente (seguro) una de las actrices jóvenes con mayor proyección del panorama actual. Yo la descubrí en hard candy (2005), película que recomiendo a todo aquel que guste del terror psicológico menos comercial. Todo gira a su alrededor en juno y esto gracias a que el campo gravitatorio de su interpretación resulta lo suficientemente intenso como para que nada se salga de su órbita. Me atrevería a decir que son Page y Cody, y no Reitman, los ingredientes sin los que juno no sería lo que resulta ser.

juno es una agradable sorpresa. Eso sí, que nadie se enfade si de mona se le indigesta, porque mona, a pesar de su acidez, lo es, y un rato largo.

Para las deadhours de aquellos padres a los que si sus hijas adolescentes les confiesan estar embarazadas no dejan de lado el sudoku, y para sus hijas también.

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shaun of the dead (2004)

by zEke

shaun of the dead posterHay momentos en la vida, en la mía y en la tuya, en los que uno se encuentra perdido, en un callejón sin salida. Esperando a que suceda aquello que le permita coger de nuevo las riendas de su existencia. Aquello puede ser cualquier cosa, desde la llamada de teléfono que lleva uno esperando desde tiempos ha, hasta un nuevo, diferente y moderno corte de pelo. En el caso de shaun of the dead aquello es algo tan común hoy en día como el ataque de un sinfín de muertos vivientes.

Shaun (Simon Pegg) acaba de romper con su novia, harta ésta, entre otras cosas, de quemar su vida en The Winchester, un pub en el que Shaun se reúne un día sí y otro también con Ed (Nick Frost) su mejor amigo y compañero de piso. Shaun hace tiempo que vive distante de su madre y su padrastro. Shaun trabaja en una tienda de electródomesticos en la que empleados mucho más jóvenes que él se lo toman por el pito del sereno. En pocas palabras, Shaun es un perdedor. Lo es hasta hoy, día en el que ha decidido reconciliarse con su novia, y dar un nuevo sentido a su existencia. Y para ello contará con la inestimable ayuda de un pueblo infestado de muertos vivientes a los que deberá hacer frente en compañía de los suyos.

El guión lo firman Pegg y Edward Wright, quien además dirige. Ambos se dieron a conocer con la recomendable comedia de situación británica spaced (1999). El resultado son poco más de noventa minutos en los que hay lugar para el legado tanto de George A. Romero (dawn of the dead (1978) es suya) como de los Monty Python. Si algo diferencia shaun of the dead del resto de películas infestadas de muertos vivientes esto es su humor, muy británico, mucho. Tanto que en lugar de distraerse en hacernos reír con situaciones deliberadamente inverosímiles, lo consigue, con más acierto que otra cosa, añadiendo a la cotidianidad que todos compartimos el factor zombi. Huelga decir que comparar ésta con una de zombis (2003) sería como comparar el Guernica con el garabato que parí en una revista del corazón la semana pasad mientras esperaba mi turno en el dentista. La película cuenta con un reparto decente, esto es digerible y capaz de hacernos reir, y un sinfín de extras haciendo lo mismo que muchos de nosotros, pero maquillados para la ocasión.

A pesar de la sangre y las vísceras la película es también una comedia romántica. Y como tal no deja de ser mediocre en su primera parte, hasta que los infestados dejan de ocupar el fondo sobre el que se mueven los protagonistas y adquieren protagonismo.

shaun of the dead, incomprensiblemente zombies party en España no es una película para morirse de risa, tal y como sentecia su título en Argentina (en España, muertos de risa (1999) pertenece a Álex de la Iglesia) pero es ciertamente recomendable a todo aquel que quiera pasar un rato entretenido y desvergonzado. De verdad, lo de las traducciones (en este caso no traducción) de los títulos de las películas no hay quien lo entienda.

Para las deadhours de los que esperan una señal del más allá para coger el toro por los cuernos.

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life of brian (1979)

by zEke

life of brian posterLo que comenzó con la serie de televisión monty python’s flying circus (1969) se convirtió con el paso del tiempo en más, mucho más. Sobre todo teatro y cine, y entre sus películas, a cual más satírica, a cual más irónica, dos imprescindibles, monty python and the holy grail (1975) y life of brian. Los Mony Python son, o fueron, Graham Chapman, John Cleese, Terry Gilliam (el único no nacido en el Reino Unido), Eric Idle, Terry Jones y Michael Palin, unos con más suerte que otros después de separarse (para seguir colaborando de vez en cuando) en la década de los ochenta. Lo cierto es que los efectos de la enésima vuelta de tuerca que aplicaron al mundo de la comedia todavía hoy se mastican.

life of brian cuenta la historia de Brian Cohen (Graham Chapman), quien nace en Belén, en un establo a escasos metros de portal que alberga el nacimiento de Jesús. Ya entonces los tres reyes de oriente lo confunden por el mesías. Y es ese su sino, ser confundido una y otra vez por el que fuera su vecino.

Desde los títulos de crédito iniciales, brillantemente animados por Terry Gilliam, la película emana, sobre todo, originalidad, pero también una mezcla de elegancia y humor británicos envueltos en un centelleante papel de regalo. La ambientación, modesta y excelentemente hortera, más que distraer, encandila. A esto hay que añadir el surrealismo de las canciones y la versatilidad de todos y cada uno de los miembros de los Monty Python.

life of brian no engaña a nadie, y su propósito es sonreir. La película se ríe, sin ofender, de la religión, de la fe, de la iglesia, y de otros bichos varios. Y si a alguien le pica, que se rasque. El guión, todavía hoy es recitado hasta la saciedad por cuantos se enamoran de su prosa. Y no son pocos. Brilla, sobre todo, porque es capaz de robar sonrisas cuando uno menos se lo espera, de puntillas.

Lo cierto es que poco puede uno decir de una película como ésta que no se haya dicho ya. Probablemente una de las mejores comedias que ha parido el cine. Podría no haberme gustado y entonces sí. Entonces sí tendría muchas cosas que decir.

En fin, una gran película con un gran sentido del humor, el mismo que exige de sus espectadores, pues aquellos que no gocen de él tardarán en reaccionar lo que un caramelo Mentos en una botella de dos litros de Coca-Cola.

Para las deadhours de todos aquellos que pisotean el suelo con chancletas.

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