In my opinion 2008 has not been a great year when it comes to cinema. Nevertheless, and despite the lack of very good movies, there are quite a few good ones. Most of them have actually been released towards the end of the year. A successful rescue attempt. Among those, I have picked ten. Some of them are obvious, and some I might be the only one that liked them. C’est la vie…

10. burn after reading

burn after watching joy

9. vicky christina barcelona

woody allen is not back, but he is finally aware of that, and not trying to be who he was, but who he is

8. milk

sean penn is to gus van sant’s best film ever what nesquik is to my whole milk every morning

7. in bruges

tourist trap good to fall for

6. let the right one in

horror movies can still be unique

5. gran torino

dirty harry is now retired but still around

4. the wrestler

mickey rourke’s did not let darren aronofsky down

3. the dark knight

it brights beyond a superhero movie

2. wall‧e

magical

1. slumdog millionaire

do not walk into it, run into it

Antes de empezar me desnudo ante ustedes y les dejo saber que a mí lo que hace Guy Ritchie, salvo contadas, por una, excepciones, me gusta. Así que, avisados quedan de lo que pueden dar de sí los siguientes párrafos. rocknrolla, sin ser excelente, ofrece lo que uno espera, además de significar el renacimiento del hasta hace bien poco marido de Madonna. En breve tendrá la oportunidad de demostrar si este resurgir es flor de un día, o algo más, gracias a la nueva adaptación cinematográfica del detective que inmortalizó Sir Arthur Conan Doyle.

rocknrolla es la historia de Lenny Cole (Tom Wilkinson), quien cuando se mira en el espejo ve al dueño de Londres. Y lo es, sobre todo, porque toda recalificación gira en torno a su persona. rocknrolla es la historia de Archie (Mark Strong), su mano derecha. rocknrolla es la historia de un magnate ruso, que bien podría llamarse Roman Abramovich, interesado en los servicios de Lenny Cole. Y poco más me apetece decir del argumento, salvo que el cocktail se completa con una estrella disfrazada de muerto viviente, una pintura que quema, unos rusos muy rusos, y One Two (Gerard Butler), un mafioso de poca monta, y sus secuaces, además de otros bichos varios.

El epílogo, narrado por Archie, es harto complicado si uno se ha olvidado el cerebro en casa, aunque luego todo se desarrolla sin que uno lo eche de menos. El cerebro, claro. Ritchie huye del pitufo filósofo por el que fue poseído durante la gestación revolver (2005), infravalorada en mi opinión, y compone una historia enrebesada pero simple a base de casualidades que, aunque cogidas con pinzas en ocasiones, no ofenden. El estilo es el de siempre. A Ritchie le gusta jugar con la cámara y a mí, personalmente, me gusta que lo haga. Le gusta, sobre todo, disfrutar de las opciones que le brinda el medio. Lo que no es un cheque en blanco, pues en ocasiones la edición de algunas películas marea. No es el caso. Eso sí, sigue sin alcanzar el nivel de su alumno más avanzado, Matthew Vaughn, en layer cake (2004).

Entre lo largo y ancho reparto destaca Tom Wilkinson y lo hace por que ya es costumbre en él. Además, a los demás se les exige poco, casi nada a Thandie Newton. Por cierto, los abdominales del tráiler no son los de Gerard Bulter.

En fin, quizás no tan memorable como su ópera prima y snatch (2000), y es que un género no se reinventa todos los días, pero fácil de masticar por los amantes del susodicho. Y, por supuesto, no voy a acabar sin mencionar los títulos de crédito a cargo del siempre efectivo Danny Yount, sensacionales.

Para las deadhours de espavilados.

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Después del éxito de no country for old men (2007) Ethan y Joel Coen atacan de nuevo. Y lo hacen de la mano del género que les hizo famosos, la comedia oscura, casi negra. Comedia negra repleta de personajes a cual más variopinto. Cualquier parecido con el hijo de su vecino es mera coicidencia. Tanto caricaturizan sus personajes los hermanos de Minnessota que dotan sus historias de irrelevancia, atractiva, pero irrelevancia ni más ni menos.

Harry Pfarrer (Geroge Clooney) está casado pero ejerce. Osbourne Cox (John Malkovich) es una analista de la C.I.A. al que acaban de poner de patitas en la calle que decide escribir sus memorias. Su mujer Katie (Tilda Swinton) hace tiempo que le ríe las gracias a otro. Linda Litzke (Frances McDormand) es una acomplejada empleada de un gimnasio que sueña con no una, sino cuatro operaciones estéticas. Chad Feldheimer (Brad Pitt) es un adolescente atrapado en el cuerpo ya no tan adolescente de otro empleado del mismo gimnasio. Y hasta aquí puedo leer.

Antes de proceder un aviso para navegantes, burn after reading no es the big lebowsky (1998). Ninguno de sus personajes es tan emblemático como lo fue en su día The Dude, ni la historia gira en torno a nadie. burn after reading gira en torno a una serie de improbables desdichas sin entretenerse demasiado en ninguno de sus sufridores protagonistas, todos ellos secundarios. Aunque con diferente peso, eso sí. La historia es enrevesada, lo que echará para atrás a más de uno. Los que se queden disfrutarán de la elegancia de Joel y Ethan a la hora de poner los puntos sobre las íes y atar los cabos sueltos de un guión redondo, que no universal.

Como en cualquier película de los hermanos más famosos del mundo del celuloide, con el permiso de los hermanos Marx, se me hace difícil criticar la puesta en escena. La música sigue siendo sutil protagonista y la cámara sigue escondiéndose y dejándose encontrar.

En definitiva, a mí personalmente me gustó la capacidad de los hermanos Coen de, sin disimular el parecido de su película con muchas otras, ser capaces de dotarla de atractivo por medio del buen gusto. No pasará a los anales de la historia del cine, pero es suficientemente interesante como para inclinar mi pistola hacia arriba.

Para las deadhours de los que no se pierden pero tampoco ansían encontrarse y para los adictos a las denominaciones de origen.

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Mucha genta había enterrado ya el ingenio de Woody Allen. Sobre todo después de que dos de sus últimos experimentos, match point (2005) y cassandra’s dream (2007) emanaran cierto aroma a crimes and misdemeanors (1989). Con diferente suerte, eso sí, más acertada la primera. A falta de pan, no le mires el dentado, y a caballo ganador, buenas son tortas. Y esto para decir que a pesar de que muchos lo daban por muerto y enterrado, metafóricamente por supuesto, Allen ha sido capaz de levantar el peso de sus anteojos una vez más y resucitar su donaire para regalarnos una entretenida comedia sobre los ires y venires, románticos y existenciales, de unos personajes que, a primera vista, se parecen a uno lo que un huevo a una castaña. Sin embargo vicky cristina barcelona esconde un trasfondo obvio, a medio camino entre el pesimismo y el realismo, que resulta familiar. Un algo del agrado sobre todo de pseudo-intelectuales con gafas de pasta, amigos o no de Joel Joan, quien, por cierto, aparece por ahí hablando en catalán, nada más y nada menos que tres segundos. Ahí queda eso.

Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) son dos turistas americanas amigas y opuestas que están de vacaciones en Barcelona. La una estudiante, prometida y comedida, la otra actriz, libre e indiscreta. Su existencia se ve alterada cuando conocen a Juan Antonio (Javier Bardem), un pintor y bohemio con aires de Don Juan todavía enamorado mal que le pese de María Elena (Penélope Cruz), su ex mujer. A partir de ahí, combinaciones de cuatro elementos, de dos en dos, y de tres en tres también.

A Allen se le puede echar en cara que Vicky no hable catalán, siendo como es ella una aspirante a maestra en estudios relacionados con la cultura catalana. Aunque ahora que lo pienso, quizás lo haga, pero en la intimidad, con sus amigos americanos. Se le puede echar en cara también cierta tendencia a decir sin querer, pero decir ni más ni menos. Aunque esto se lo echarán en cara sólo aquellos que se ofenden cuando creen que les están sermoneando.

Lo que no se le puede echar en cara es la calidad de un guión tan profundo como cada uno quiera que sea. Eso sí, los que no lo quieran, mejor se quedan en casa a ver reposiciones de remington steele (1982). La película de Allen es sobre los prejuicios que regulan nuestra existencia y como éstos nos hacen a la vez felices e infelices, sobre todo lo segundo. Aunque la respuesta a tal encrucijada quizás tampoco esté en la falta de ellos. Al final todos somos un poco Vicky y un poco Cristina, aunque difícilmente a partes iguales. Y si quieren entenderme, vean la película.

Bardem demuestra que es capaz de cambiar de registro, así como de corte de pelo, y gracias, en un abrir y cerrar de ojos y, sin maravillar a nadie, resulta convincente como catalán nacido en Oviedo, salvo cuando pretende hacernos creer que su inglés renquea. Cruz, mejor en castellano, en inglés habla poco, y de ahí que me atreva a decir que nunca estuvo mejor en una película de habla inglesa. Lo que, por otro lado, quizás no quiera decir mucho. Johansson se interpreta a ella misma, y esto dicho sin conocerla. Y Hall, que ya coincidiera con Johansson en the prestige (2006) y también tiene consonantes dobladas en su nombre y apellido, sorprende.

No me voy hoy sin mencionar la excelente fotografía del vasco Javier Aguirresarobe, que cuenta con la inestimable ayuda de Barcelona y Oviedo. La fotografía y la banda sonora, repleta de guitarra española y rumba catalana. Y esa canción de Giulia y los Tellarini que seguramente sacará de quicio a más de uno pero que a mí me ancanta. En fin, sobre gustos…

Resumiendo, Allen parece haberse liberado nuevamente a los setenta y dos años, lo que añade una dosis de frescura a su último experimento. Frescura que yo, personalmente, echaba de menos. La película no es redonda, pero se lo voy a perdonar porque todavía retumba en mi cabeza buenamente.

Para las deadhours de los que se buscan y si no les gusta lo que se encuentran se siguen buscando.

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There was a time when Luc Besson meant something more than it means right now. nikita (1990) and léon (1994) are proof. Unfortunately, the French filmmaker has not been as successful lately, neither as a director, nor as a writer, nor as a producer. He writes and produces taken, which will not be the movie who brings him back to where he was in the nineties, even though it is not an offensive one. It is just something we have probably seen before one way or another.

The beginning is by far the worst. Thirteen minutes in, all the characters have talked about how dangerous Europe, and specially Paris, is for American teenagers. Whatever. Of course, something is going to happen, but all that pessimism is unjustified. The scared father is Brian (Liam Neeson) a former spy who once retired is finally trying to play dad with his daughter who lives with her mother and her stepfather. It is not a surprise then than right after his daughter and her friend land in Paris they are kidnapped by the Albanian mafia for prostitution purposes. It is then when things turn better and Brian turns to be the grown up version of Jason Bourne.

Being his business as personal as it is, it is not surprising that the action is straightforward. Actually, it is so personal, that Brian cares nothing about the Albanian mafia and its business. All he wants is to get her daughter back. Can we blame him? Definitely he is not the hero all those other girls were waiting for and is not going to put down the Albanian mafia even though they are evil and are shown as what they are.

The script is weak and predictable, and one can see through some of its holes, but the action is able to make up for it. I am still waiting for Brian’s daughter’s friend’s parents to be notified. In any case, director Pierre Morel manages to deliver a non stop action flick that will pleased those who have a tendency towards low budget action booms.

As for Neeson, even though after the movie ends it is obvious why we do have not seen him in many action roles before, his performance is better than one might have expected. And by one I mean at least myself. There is nothing to say about anyone else. Really. They all pretty much die decently.

All in all, a fine experience that nevertheless will soon be forgotten by myself and should be probably be avoided by many.

For the deadhours of fathers of seventeen year old girls about to travel overseas.

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Una nueva comedia producida por Judd Apatow, quien parece haber monopolizado el género, y es que el susodicho está detrás de todos y cada uno de los éxitos recientes, por lo menos en lo económico, y es que a veces gracia, tienen la justa. Y lo está porque su estilo ha calado en un público cansado de la inercia del pasado, y deseoso de algo nuevo, que tampoco lo es tanto. Público que, ni que decir cabe, acabará cansándose también de sus sellos de identidad. Su estilo no es otro que el de mezclar. Así, pineapple express es un batido de acción, marihuana y amigotes. El treinta y tres por ciento de cada uno. El uno por ciento restante lo es, y con perdón, de comedia romántica.

Y la cosa funciona a pesar de todo. Sobre todo mientras la marihuana y los amigotes son los responsables de las gracias. Dale Denton (Seth Rogen) fuma marihuana. Saul Silver (James Franco) vende marihuana. Día sí, día también. Y eso es todo hasta que Denton es testigo accidental de un asesinato protagonizado por una agente de polícia, un narcotraficante y un desafortunado chino, y huye  sin dejar rastro sino fuera por un porro. Un porro de una marihuana que sólo Silver vende. A partir de ahí, el ratón y el gato, y algún que otro chino más.

Cuando la acción hace acto de presencia el experimento decae a la misma velocidad que el número de armas de fuego en escena aumenta. Así, mientras las persecuciones y las peleas funcionan, los tiroteos son dignos de un capítulo de the a team (1983). Por otro lado, lo de la novia del protagonista es irrisorio. Hasta el punto de que uno no sabe a que se debe su presencia en pantalla. Le da a uno la sensación de que Seth Rogen y Evan Goldberg, miembros del séquito de Apatow, sintieron la necesidad de introducir un personaje femenino después de leer una primera versión del guión, probablemente rebosante de testosterona. Pues no sé yo.

Dirige David Gordon Green, quien ha elegido un curioso título para dar el salto del cine independiente  y dramático, donde se ha hecho un nombre con títulos como las recomendables snow angels (2007) y all the real girls (2003), al cine comercial cómico. Su aportación es correcta y no molesta aunque en algunos momentos parece mear fuera del tiesto.

James Franco bien, gracias.

En definitiva, pinapple express es un producto muy entretenido que sobre todo en su despertar resulta refrescante. Tanto que, como ya es costumbre con casi todas las producciones de Apatow, muchos no pueden resistir regalarle un diez en imdb. En fin, cada loco con su tema.

Para las deadhours de los que sueñan con cogollos como piñas.

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mamma mia! es también el título del archiconocido musical de Catherine Johnson que se recrea en esta película, además del título de uno de los números uno del grupo sueco ABBA, cuyas canciones son la excusa del embolado. Y algo que podría parecer aislado no lo es, pues algo parecido le pasa a The Beatles con across the universe (2007) y Village People con can’t stop the music (1980). Musicales los hay de todos los colores, algunos más brillantes que otros y mamma mia!, a pesar del constante centelleo de fondo del Mediterráneo, brilla poco.

La historia, inspirada en el argumento de buona sera, mrs. campbell (1968), es tan simple como inofensiva. Al fin y al cabo se trata de entretener. Sophie Sheridan está a punto de casarse en una paradisíaca isla griega en la que su madre Donna (Meryl Streep) regenta una posada. Pero su vida no es de color de rosa, pues de lo contrario no habría canciones por cantar. Sophie desconoce la identidad de su padre y resuelta a descubrirla decide invitar a la ceremonia a los tres apuestos candidatos, Bill Anderson (Stellan Skarsgård), Sam Carmichael (Pierce Brosnan) y Harry Bright (Colin Firth). Tan sencillo como investigar lo que acontecía en el diario de su madre veinte años atrás.

Lamentablemente a todos aquellos a los que ABBA les suene a chino, la película les sonará a japonés. Los musicales a la que éstos están acostumbrados no disimulan serlo y se parecen más a un interminable video musical lleno de recursos audiovisuales que a como fue concebido el género. Bien mirado mamma mia! no deja de ser una canción de ABBA detrás de otra. Si te gustan bien y, si no, pues no. Los extras son siempre los mismos, independientemente del contexto, y las coreografías mediocres. Eso sí, la isla tiene su encanto y la historia es cuca.

Para acabar de rematar la faena, en los más de cien minutos de canciones de los ganadores del Festival de la Canción de Eurovisión 1974 se esconden también una serie de testimoniales historias que acaban molestando. Si bien estas distracciones funcionan en un escenario, aquí molestan por lo descuidado.

En cuanto a los intérpretes, Sheridan es agradable de ver y escuchar, y Streep, a estas alturas, ya no tiene que demostrar nada a nadie. Peor suerte corren ellos, Brosnan está más perdido que un burro en un garaje, mientras que Skarsgård y Firth disimulan lo justo y necesario.

En fin, ABBA ha vuelto a alcanzar el número uno de la lista de ventas británica gracias al estreno de la película a pesar de que sus discos nunca han dejado de venderse. Con eso lo digo todo.

Para las deadhours de los que en su día calzaron zapatos de plataforma y, por supuesto, para los que todavía los calzan.

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Parece que como el bueno de Michael Night Shyamalan ya no nos sorprende con un final del todo inesperado en sus más recientes películas es pecado saborearlo. El final de the sixth sense (1999) es algo irrepetible, pero no sólo de pan vive el hombre y si finales inesperados fuera lo único que el director de origen indio fuera capaz de hilvanar no habría llegado a donde ha llegado. ¿A dónde? Pocos son los que a pesar de la sombra de los grandes estudios sobreviven como escritores, productores y directores de su arte audiovisual. Shyamalan es uno de ellos.

En el noreste de los Estados Unidos la gente comienza inexplicablemente a suicidarse, lo que lleva al resto al éxodo hacie el oeste por miedo a lo que pudiera ser, por lo menos, un ataque terrorista. Entre los que huyen se encuentran Elliot Moore (Mark Whalberg), un profesor de instituto, y su mujer Alma (Zooey Deschanel). Ni que decir cabe que su relación no es ni mucho menos idílica. Hay también por ahí una niña, y es que Shyamalan es recurrente en algunos de los ingredientes de sus largometrajes. Lo que no hay es un final inesperado. Poco después de la mezcolanza inicial, nustra única pregunta es respondida.

Aunque pudiera parecerlo no es the happening una película de catástrofes convencional. Y no sólo porque en the happening la gente huye ordenadamente y no abusa de sus cuerdas vocales, sino porque el enemigo no lo es tal y la cosa comienza y acaba más o menos igual. Y de ahí el título, algo pasa sí, pero pasa y punto. Pasa para que además de los temas a los que nos tiene acostumbrados Shyamalan esboce un cuento ecologista que pretende perenne pero mucho me temo es caduco.

De lo que no cabe duda es de que el director afincado en Wayne, Pennsylvania es diestro a la hora de tensión cincelar. Y así, por ejemplo, resuelve brillantemente la incertidumbre generada por puertas que se abren y puertas que no, aunque el intento de hacer que el viento se convierta en nuestra peor pesadilla es fallido. Pero es que…

Whalberg, antes de que se me olvide, está mejor de lo que nos tiene acostumbrado, que tampoco es decir mucho. Ayuda también el hecho de que el resto del reparto, entre los que se encuentra un testimonial John Legizamo, es de plastilina.

Quizás la menos recomendable de las películas de Shyamalan hasta la fecha, pero todavía digna de ser vista una tarde de domingo sin fútbol. Además, es corta y se hace corta.

Para las deadhours de los que abrazan árboles.

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Incluso con sus defectos, que los tiene, the dark knight no es sólo la mejor de las películas basadas en superhéroes hasta la fecha, sino una gran película y punto.

El alter ego de Bruce Wayne (Christian Bale) ha eclipsado la oscuridad de la Mafia de Gotham City al tiempo que el fiscal del distrito Hervey Dent (Aaron Eckhart) se ha erigido como el héroe sin máscara que tanto Batman como la ciudad anhelaban. Pero así como después de la tormenta siempre viene la calma, después de la calma siempre viene la tormenta. Y la tormenta se llama The Joker (Heath Ledger) quien promete a la Mafia un nuevo amanecer libre de la sombra del hombre murciélago y pone la ciudad patas arriba a base de sembrar el caos.

A priori una película con The Joker, Hervey Two Faces, The Scarecrow, la Mafia, un chino que se cree el rey del mambo y Batman, huele. Si a esto le añadimos un triángulo amoroso, cierto aire filosófico, persecuciones, encrucijadas, refriegas y más chismes que en todas las películas de James Bond interpretadas por Roger Moore juntas, el proyecto parece condenado a naufragar en el puerto de San Blas, por ejemplo. Pero no, los hermanos Nolan, Jonathan y Christopher, firman un guión que se entretiene lo justo y necesario en todos y cada uno de los ingredientes a su disposición y los hacen bailar a su son. Un guión que satisface por igual a los que se olvidan los sesos en casa y a los que no.

La dirección, que ni decir cabe, está a la altura. A más de uno no le gustará como Jonathan Nolan se enfrenta a los clímaxes del largometraje, a base de collages audiovisuales de todo lo que a la vez acontece. Bien, a mí, personalmente, me encanta.

Chritian Bale encarna de nuevo a Bruce Wayne. Y lo hace con la misma suficiencia que en batman begins (2005). El actor galés se ha convertido ya en el mejor de cuantos se han escondido detrás de la máscara del hombre murciélago y mucho me temo que lo hará una vez más. Cierto es también que el papel en sí no es exigente. Como tampoco lo son los que interpretan Michael Caine, Morgan Freeman, Gary Oldman y Maggie Gyllenhaal, quien sustituye a Katie Holmes. Todos ellos se bastan con pasearse por la pantalla al son de un excelente guión. Aaron Eckhart, por su parte, vuelve a demostrar que es mucho mejor actor de lo que muchos creen y mezcla con mesura las debilidades y fortalezas de su personaje, hasta hacer comprensible su metamorfosis.

Mención aparte merece Heath Ledger. Su forma de entender The Joker no tiene nada que envidiar a la que en su día nos regaló Jack Nicholson. Sin duda Ledger se alimentó de ella para construir un personaje que permanece. Un personaje que incomoda a la vez que seduce. De ahí que en ocasiones uno se sorprenda buscando amparo en una leve sonrisa tras disfrutar de su presencia, a pesar de lo desagradable de sus consecuencias. The Joker aboga por un mundo en el que las reglas no tienen cabida y Ledger construye su personaje sin ellas. Hace lo que le da la gana con el mal más visceral por bandera y el resultado es, si más no, brillante en una de las entregas menos oscuras de la saga en cuanto a la ambientación.

Una película para ser disfrutada. Un poco exagerado que haya alcanzado el número uno de IMDb el primer fin de semana, pero que le vamos a hacer, semos borregos.

Para las deadhours de los que hacen trucos de magia con lápices y del resto de los mortales.

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Hay historias que nunca pasan de moda, que no lo hacen porque lo que cuentan se disuelve agradablemente en los sesos de cualquiera. Ese es el caso de kung fu panda, o, si me lo permiten, la enésima versión, esta vez animada, de karate kid (1984). Y digo karate kid, pues para mí, que amanecí en los ochenta, fue la primera. La novedad, que tampoco lo es tanto, es que Daniel Larusso es ahora un panda gigante y Mr. Kesuke Miyagi un panda rojo.

Po es un panda gigante que trabaja como camarero en el restaurante de su padre Mr. Ping, una oca que presume de aderezar sus fideos con un ingrediente secreto. Sin embargo, Po está más por la labor de imaginarse siendo un maestro kung fu que de querer conocer el ingrediente secreto de los fideos de su padre. Por supuesto, sabe tanto kung fu como yo arameo. Pero su vida cambia cuando de la noche a la mañana es accidentalmente señalado por la tortuga Oogway como el elegido. Elegido para convertirse en un guerrero dragón y defender así a su pueblo de la ira del tigre Tai Lung, el más malo entre los malos. Para ello se somete a la tutela de Sifu, un panda rojo.

kung fu panda es sobre todo una película entretenida. Sobre todo, y nada más. El cine de animación ya no es lo que era, y si me preguntan a mí, es ahora mucho más entretenido cuando las cosas se hacen como se deben hacer. Así, la fórmula de kung fu panda funciona porque sus creadores no se complican la vida con marejadas y marejadillas. A veces es tan simple como contar una historia de forma ordenada. Si bien está de moda que el cine de animación flirtee con productos que, sin disimular que buscan el reclamo de los más pequeños, se emborrachan de sutiles referencias más maduras, kung fu panda se conforma con entretener a los primeros y devolver a los segundos a tiempos pasados.

De Jack Black se pueden decir muchas cosas, algunas buenas, algunas no tanto. Lo cierto es que su voz le viene como anillo al dedo a Po. Se tiende a pensar que cualquiera puede ser un actor de voz, de ahí que en España, por ejemplo, las películas de animación acaben siendo dobladas por humoristas e imitadores. Pues no, es fácil distinguir entre un buen actor de voz y un oportunista.

Una película entretenida llena de referencias al cine de kung fu, a kill bill (2003) y a la filososfía de los pitufos.

Para las deadhours de los que sueñan con golpear a los que se ríen de sus barrigas con ellas.

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